首先，我們從文化背景來看，此畫可視為臺灣藝術在1960–70年代「現代化」過程的縮影。彼時美國抽象表現主義、巴黎學派以及東亞戰後前衛藝術浪潮已經在各地發展傳播，臺灣藝術家也面臨如何在「本土文化」與「現代主義」之間尋找平衡的課題。恩師廖繼春既是教育者、又是藝術實踐者，其作品往往承擔著以上所述的探索與實驗使命。
就畫論畫，讓我們先從此畫的背景看：畫中的騷亂色彩狂潮，不就是回應那個時代臺灣社會的變遷，快速工業化與現代化的躁動氣氛，以及藝術家內心對自我表達的迫切需求。
再直接由畫面切入，觀者會有一股「色彩風暴」直覺：藍、綠、紅、黃與白彼此衝撞、重疊、滲透，形成一種既和諧又不安定的張力。藍色是主要的背景基調，像是天空、海洋或一種深沉的精神場域，把其他色彩都納入其中；而綠色與紅色則像植物與動物血肉，帶來生命的律動與激情。請特別留意，那黃色分布在畫面下方與中央偏左的位置，形成視覺焦點，如同陽光在混沌的世界裡突兀閃現。
接著純粹由視覺形式辨識，不易清楚地看見某些具象物件，但若細細凝視，仍可在色塊的堆疊中辨認出一些暗示性的形象：右側的綠黑色形體，彷彿是一叢樹木或一座雕像；左下方黃色的塊面，似乎暗示著桌上的水果或花卉；而上方的橘紅色，則可能是夕陽，或是一種燃燒的‘’情感符號‘’。這種「似與不似」的狀態，正是抽象藝術迷人之處：它不再提供明確的敘事，反而是邀請觀者在模糊與曖昧之間，尋找自我心靈的投射，可隨意再創更大的詮釋空間。
在此不忘提示，廖繼春雖然採取抽象形式，仍保留了「自然」的某些暗示。他並非徹底走向純粹的幾何或理性抽象，而是把握一種與生活經驗、自然景物，維持若即若離的態度。因為中國水墨畫中的山水往往不求寫實，而是追求氣韻與精神性；廖繼春在這裡似乎延續了這一脈絡，只是把毛筆的墨痕轉化為油彩的筆觸，把畫面的留白轉化為藍色與白色的空間感。
如果從心理層面分析，這幅畫透露出一種躁動與詩意的並存。畫家的筆觸厚重、速度快捷，彷彿在與內心採取能量搏鬥，將潛意識的衝動直接化為色彩與線條爆發。這裡有一種「原始性」，有如孩童塗鴉的純粹，又像是夢境碎片的拼貼。換句話說：畫面並非完全混亂，而是帶著某種隱約的秩序，色彩雖互相對立，卻能保持一種呼吸般的韻律。這種狀態使觀者在觀看時，也感受到情感的震盪與舒展，像是在一首無詞的音樂中優雅緩慢地高低起伏。
進一步推敲美學意義，這幅畫是一首可見的「視覺交響曲」。它沒有標題，沒有固定的參照物，卻能喚起觀者無限的聯想：有人看到花園，有人看到城市，有人看到心靈的風暴。換句話說：這幅畫隱含著一種「火山性」的特徵，色彩的爆發像熔岩，筆觸的激烈像地殼運動，使得整體畫面帶來一種能量釋放的震撼感。
這特質肯定與廖繼春本人的創作心境有關：晚年的他歷經時代巨變，卻仍然保持旺盛的創作生命力。他的抽象作品，不僅是形式的探索，更是一種存在的見證，一種藝術家不斷燃燒自我的行為。
最後，我習慣以一種詩性的語言，獻給這幅畫：
這是一片被顏料點燃的天空
藍色如深海，紅色如血液，綠色如叢林，黃色如太陽
線條交錯，宛如命運之經緯
色塊碰撞，宛如靈魂已迸裂
這是一首無聲的詩，一場沒有結局的夢
一面映照人心的鏡子
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