【郭老論美】《 港口氛圍與心靈節奏 》~解讀廖氏色彩魔法之十三

當觀者第一眼看到標題，接著視線轉到畫面時，或許會感到迷惘：‘’船在哪裡？海在哪裡？‘’然而當視線逐漸沉浸於畫布的節奏時，就會感受到一種與時代共振的能量，逐漸地滑進那些迷人色彩以及亂中有序的線條，逐漸地被藝術氛圍所感召，心湖漣漪波動……。

是的，這就是抽象畫的奧秘與引人入勝的特質。因為，《港》的空間不是線性透視的，而是情緒化的、音樂化的。就像交響曲裡的主題動機被不斷變奏，港口的符號在畫布上被分解、重組，最終形成一種視覺的節奏感，那就是藝術能感動人的精髓。

再看第二眼，可見畫中幾乎沒有連續的線條，取而代之的是色彩拼接：深藍與天藍代表海與天的延伸，黃色與灰白色形成建築或光影的閃爍，而粉紅、紅色、黑色則點綴於其間，成為港口旗幟、船體標記或人影的符號。然而，畫中沒有線性的透視秩序，也沒有明確的形體輪廓，只有透過塊面與顏色的拼貼，構築出「港口的氛圍」與「心靈的節奏」。這種表現手法，既承襲了廖繼春早年受野獸派、印象派啟發的色彩感受，也逐漸顯露出戰後台灣畫壇受抽象藝術浪潮影響的回應。

進一步說明：1960年代的台灣畫壇，正處於現代藝術的轉折點。美術界不再滿足於日治時期遺留下來的印象派、寫實派，而開始受歐美抽象表現主義、立體主義、野獸派影響。廖繼春作為「台陽美術協會」的核心人物之一，既是早期台灣美術的開拓者，也是戰後台灣現代美術的重要推手，他的創作歷程，某種程度上折射出整個台灣藝術的現代化進程。

廖繼春的油畫作品，一直具有強烈的個人語言，他傾向用色彩與結構直接表達情感。在這幅《港》中，他把「船」這個形象推向極限，只留下最基本的結構符號，讓觀者在心中自行拼湊其完整形象。這樣的做法，實際上就是一種「心象描繪」：畫家將外在世界濃縮為心靈圖像，再以繪畫語言表現出來。

換個浪漫感性角度看畫：在此幅畫中，那些不斷交錯、斷裂的色塊，彷彿是畫家心靈的碎片，它們無法完全拼合，但又彼此依存，像是一個畫家在時代浪潮中的內心獨白。港口既是希望，也是孤獨；既是交流，也是疏離。畫家將這種矛盾情緒，轉化為一種抽象化的視覺語言，做為觀眾的情感出口，甚至畫家升格成為時代風華的代言人。

一言以蔽之，這正是廖繼春晚期作品的魅力所在：它不再只是一幅風景畫，而是一種「心靈的風景」。